Esto depende de lo que el director quiera que haga el compositor. Si el director quiere que la música se use como transiciones para cambios de escena y para indicar entrada y salida en momentos específicos, el compositor necesitará el corte final. Esto dará los mejores resultados. El director puede darle al compositor un borrador para que él / ella pueda proponer ideas para la partitura. A veces, los grandes directores ni siquiera dejan que el compositor vea la película, ni siquiera mencionan cómo se llama la película. La música se basa únicamente en la comunicación sobre emociones, palabras clave y versiones simplificadas de las escenas descritas. Por lo general, el compositor hará una suite completa, composiciones de larga duración y el editor de música cortará la música y la editará en la película, creando sus propios puntos de entrada y salida con la música del compositor.

Por lo general, un compositor tiene seis semanas para la música de una película. Dependiendo del presupuesto musical, el compositor se enfoca únicamente en escribir la música si el presupuesto lo permite. Si se trata de una película de bajo presupuesto, el compositor también tiene que mezclar y dominar la banda sonora, lo que lleva el mismo tiempo que escribir la propia música. Si el compositor sabe de antemano que tiene que hacer toda la mezcla y masterización, entonces planificará en consecuencia y no se concentrará demasiado en cada pista. Si el compositor tiene un presupuesto para contratar a un ingeniero de mezcla y masterización, entonces el compositor puede enfocarse en pistas más complejas y realmente enfocarse en hacer la mejor banda sonora posible. Los directores tienden a entrar en pánico cuando un compositor no tiene nada que informarles, especialmente después de algunas semanas. A veces se necesita un tiempo para que la bola ruede, pero una vez que lo hace, es fácil navegar desde allí.

Absolutamente. Muy a menudo, el guión no es lo que se refleja en la pantalla por varias razones, y la música puede ayudarte a volver a lo que esperabas en primer lugar. Puede que no haya la química adecuada, la emoción o la tensión que el guión parece tener o parece prometer. Pero la música puede aportar esas cualidades. La música está muy presente para interactuar con las imágenes, no simplemente para seguir el guión. Así que realmente necesitas las imágenes y una buena idea de cómo fluyen y el tipo de historia que estás contando antes de preocuparte demasiado por la música.

Absolutamente. Las pautas no tienen nada que ver con la terminología musical; se tratan más de cómo pensar sobre la música y lo que hace en la película. Hay cuatro preguntas básicas, que siempre son buenas preguntas a las que volver cuando tengas alguna duda sobre cómo hablar de música en un momento determinado de la película. Para cada momento de la película, uno debería poder abordar ese momento con estas cuatro preguntas: 1) ¿Qué falta si no ponemos música aquí? 2) ¿Qué quieres que sienta la audiencia? 3) ¿Cuál se supone que es la energía? 4) ¿Cuál es el punto de vista?

Supongo que, como director, ya ha respondido a la pregunta "¿Voy a tener una banda sonora a medida para mi película?" Y para ser honesto, si no lo ha pasado, es una pregunta válida que debe hacer. Es bastante fácil encontrar música sin licencia, música de biblioteca o incluso música ya existente y obtener permiso para usarla en poco tiempo (a veces por una tarifa, por supuesto), y la verdadera pregunta es sobre el contexto. Si la película requiere una partitura dramática, algo para agregar al estado de ánimo, entonces puede resultarle difícil (aunque no imposible) encontrar algo de música existente que pueda funcionar. También es posible que desee utilizar música para arreglar la película en una época en particular (como lo hizo Scorsese en Goodfellas). ¡Pero usar canciones de éxito conocidas será costoso! Mi argumento (y tengo un gran interés, por supuesto) es que siempre es mejor tener una pieza de música escrita específicamente para tu escena: la música debería sonar cuando nuestro héroe lo hace, y la música puede guiar y dirigir a la audiencia hacia un estado de ánimo o una acción. Para un nuevo cineasta, los procesos para usar música que ya está publicada y en el mundo pueden ser complicados: los sellos discográficos y las editoriales no siempre son fáciles de encontrar, y mucho menos tratar con ellos. Hay muchas bibliotecas de música que ofrecen música por una tarifa y hacen el papeleo por usted. Pero también hay muchos compositores que estarán dispuestos a trabajar en su película, felices de proporcionar ejemplos de su trabajo y hacer una demostración de algunos bocetos en su escrito. Muchos de ellos tendrán acuerdos estándar que pueden mostrarte que te darán permiso para usar la música (y, para ser honesto, las posibilidades de obtener recompensas financieras de las ganancias de un cortometraje son escasas, por lo que el lado del dinero de las cosas serán un problema menor que de otra manera). Pero con suerte, obtendrá más de un compositor que solo la partitura: bocetos y opciones para las señales reales, una vista musical del proyecto, ejemplos e ideas de otros trabajos que podrían inspirar o influir en los pensamientos de los directores sobre la película. Así que asumiremos que te has decidido por una partitura escrita por un compositor solo para tu película, ¡y tú y yo volvemos a hablar!

Como compositor de películas, conocí y trabajé con muchos cineastas y productores en el mundo del cine y videojuegos, y hay una gran variedad de desafíos a los que se enfrenta un director. El trabajo del compositor es bastante sencillo en comparación; obviamente, existen desafíos creativos y prácticos para el compositor, pero la complejidad del proceso de realización de películas es abrumadora. Y creo que parte del papel de un compositor debería ser tratar de hacer que la parte musical del proyecto sea lo más fácil posible para el director. Las otras partes del papel del compositor son escribir una partitura que apoye la visión del director para la película, escribir pistas que se mantengan y se vinculen juntas para que toda la partitura sea una pieza y, con suerte, obtener un poco de la voz del compositor en la música sin restar valor a la película. Para lograr cualquiera de estas cosas, el compositor debe comprender el mensaje del director, lo que la película está tratando de decir. Si el director no tiene un vocabulario musical amplio, entonces le corresponde al compositor ayudarlo. Por supuesto, cada director y cada proyecto es diferente, pero hay algunas lecciones que he aprendido y que transmito con la esperanza de que puedan ayudar.

Algunas cosas que me han funcionado son: ¡Piensa en la música desde el principio! Haz que el compositor se incorpore temprano. Tuve la suerte de trabajar con directores que hicieron precisamente eso, y pude visitar el set, pensar en lo que iba a hacer, sentirme involucrado con la película, leer el guión, incluso he grabado sonidos en ubicación a utilizar para una pista de percusión. Pero sobre todo, cuanto más tiempo tenga el compositor para pensar en ello, más opciones tendrá el director. Y el compositor entenderá si el director no tiene tiempo para responder preguntas, escuchar bocetos, comentar y tranquilizar. O al menos esperaría que lo hicieran, si hubieran estado en el set y hubieran visto al director en el trabajo haciendo malabares con todas esas llamadas en su tiempo. Sesiones de Spot Cuando aprendí por primera vez a escribir en imágenes, siempre había una sesión de spot, con una edición terminada, y un grupo de personas miraba el corte y decidía dónde podría necesitar música, clasificaba aproximadamente cómo serían las escenas, hablar sobre las emociones, etc. Hoy, eso no sucede de la misma manera, porque las escenas nos llegan a través de Internet. Pero hubo otra cosa que sucedió en las sesiones de spotting, y fue que el director, el editor, el productor y el compositor se sentaron en una habitación (¡a menudo incómodamente agachados alrededor de un Steenbeck!) Y hablaron sobre la película. Entonces, mi primer consejo es tratar de encontrar tiempo para hablar con su compositor sobre la película, el arco de la historia y el mensaje de su película. Referencias de música A veces, el editor editará una pieza musical existente. Esto a veces funciona para el compositor y otras veces no. Si al director le gusta la música de referencia, entonces, por un lado, es una indicación clara de lo que el director la quiere para la escena. Por otro lado, el director puede querer exactamente esa pieza musical y el compositor termina perdiendo su tiempo, haciendo más difícil encontrar sentido a todas las escenas entre sí.

Existe un desafío adicional, que es que a veces es difícil precisar la razón por la que una pieza musical funciona para el público objetivo. ¡La belleza en la música está en el oído del oyente! A continuación, se muestran algunos términos musicales básicos que quizás conozca, pero que podrían ayudar. Algunos de los componentes básicos de las piezas musicales son: Tempo: la velocidad de la música. El tempo se puede expresar en términos (en su mayoría) italianos, como lento, allegro, presto. Melodía: la melodía. Algunas son felices, otras pueden ser tristes. Algunas escenas de la película deben tener un estado de ánimo neutral para evitar adelantarse a la acción. Existe una técnica en la composición de películas llamada "Mickey Mousing" que proviene de las primeras películas de animación en las que la música seguía exactamente la acción. La mayoría de las bandas sonoras de películas no hacen eso, pero esta técnica musical será útil para dirigir un poco a la audiencia cuando sea necesario. Armonía: los acordes que rodean la melodía. La armonía puede cambiar por completo la sensación de la melodía: una melodía neutra puede ser transformada por el tratamiento armónico, por lo que un acorde alegre suele ser mayor, mientras que uno más melancólico suele ser menor. Un cambio de acordes mayores a acordes menores puede cambiar el estado de ánimo de una pieza (como lo demostró perfectamente Cole Porter en “Every Time We Say Goodbye”, donde los acordes cambian de mayor a menor cuando esas palabras se cantan en el coro). No estoy sugiriendo que necesite comprender cómo funciona esto, sino que sepa que se puede hacer. Ritmo: el ritmo al que se mueve la música. En la música pop, esto sería un kit de batería o loops de batería, pero en la música que no tiene arreglos de percusión o de batería, el ritmo que sigue la melodía le da una sensación a la música. En su forma más simple, se trata del número de tiempos en cada frase o compás. 3 beats es un tiempo de vals (como “El Danubio Azul” que se usa para la escena del Acoplamiento de la Estación Espacial en 2001: una Odisea del Espacio); 4 tiempos es típico de la mayoría de la música pop. 5 tiempos saltan un poco (como “Take 5” de Dave Brubeck para jazz o “Four Sticks” de Led Zeppelin para rock, ambos ejemplos de cómo suena un ritmo que usa 5 tiempos en un compás). Una vez más, se trata de saber cómo el ritmo puede cambiar la sensación de una pieza. Arreglo: los instrumentos utilizados para tocar la melodía. Un arreglo simple con muy pocos instrumentos a menudo puede ser muy poderoso, mientras que una orquesta completa es poderosa de una manera completamente diferente. (Un buen ejemplo de un conjunto pequeño sería la partitura de Ry Cooder para París, Texas. Cualquier partitura de John Williams será una orquesta completa, mientras que el trabajo de Thomas Newman explota ambos). La elección de instrumentos también puede ser clave: piense en la partitura de cítara de Anton Karas para The Third Man, o la partitura de Cliff Martinez para Solaris (que usaba instrumentos oscuros como un metalófono tubular con forma de campana hecho a medida y un Cristal Baschet), búsquelos en Google, ¡Ellos son increíbles!)

Vale la pena mantener un contacto regular, aunque solo sea para asegurarse de que se está progresando en la producción. Una de las preocupaciones que he escuchado de directores y productores es: "¿Cómo sé que la música será lo que quiero y se entregará a tiempo?" Una respuesta es acordar un horario con el compositor: hacer que le dé un plan y luego seguir verificando que todo esté a tiempo. Y las conversaciones regulares solo pueden ayudar mientras se desarrolla y se graba la música. Supongo que lo importante es estar de acuerdo con su compositor sobre los honorarios que desea, por lo que establece sus expectativas en cuanto a la frecuencia con la que querrá registrarse. El compositor probablemente no esperará entregarle una partitura terminada sin ninguna aporte de usted, y recibirán con agrado sus pensamientos e ideas sobre la partitura a medida que evolucione. En cuanto al contenido, no tenga miedo de participar. En casi todos los proyectos en los que he trabajado, la información externa es valiosa y útil, siempre que no haya demasiada gente involucrada, ¡eso se vuelve confuso! Pero obtener exactamente lo que quiere (si lo tiene claro) requerirá algo de tiempo de su parte para asegurarse de que el compositor comprenda lo que necesita.

Oye, estas cosas pasan. No esperaría hasta que la edición esté finalmente bloqueada para informar al compositor y, sobre todo si es breve, no habrá demasiadas pistas, por lo que los cambios no serán demasiado trabajo; un compositor experimentado no lo hará. sorprendido por este tipo de cambio, ¡y un compositor con menos experiencia debería acostumbrarse a él! La edición cambia, por lo que la única alternativa sería esperar para comenzar a escribir la música hasta que la edición esté bloqueada y, aunque eso está bien, preferiría hacer cambios en las escenas en lugar de esperar tanto tiempo. Pero puede tener una conversación sobre eso de antemano si cree que podría haber cambios tardíos en la edición.

Primero están los archivos digitales de música. Hay varios formatos de archivo de audio que puede recibir, pero debe asegurarse de que la música se masterice con la mayor calidad posible y se le entregue sin comprimir. Esto significa que los archivos serán grandes. Los formatos de archivo comúnmente utilizados son WAV, AIFF, AU o PCM. Un archivo de formato WAV tiene aproximadamente 10 veces el tamaño de un archivo MP3. El papeleo debe incluir una lista de pistas, algunos formularios de autorización y la licencia para usar la música. La lista de pistas es una lista de todas las piezas musicales que se han entregado, que generalmente contiene los siguientes detalles: Detalles de la producción: el nombre del proyecto, el nombre del director junto con los datos de contacto, la empresa que lo realiza (si existe), el nombre del compositor y los datos de contacto. Detalles de la escena: para cada escena, debe haber un nombre, una indicación de su uso (por ejemplo, título principal, fondo, tema, título final), la duración de la escena y la instrumentación utilizada. La lista de pistas también es una buena manera de comprobar que tienes todos los formularios de publicación correctos: este es un documento en el que todos los músicos que han tocado las pistas te han dado permiso para usar su interpretación en la música. Por último, están los formularios de licencia del compositor, que le permiten utilizar el trabajo que ha creado el compositor.

Creo que si tienes a la persona adecuada y estás de acuerdo en cómo será la banda sonora, junto con un plan claro, todo debería estar bien, y esto ni siquiera saldrá a la luz. También es muy emocionante ver cómo se desarrolla la música y, con suerte, agregar una nueva dimensión a tu imagen. Sin embargo, a pesar de los mejores esfuerzos de todos, es posible que tenga problemas. Mi consejo es hablar con el compositor sobre esto, explicarle cuáles son sus preocupaciones y establecer un plan para solucionarlo, pero recordándole que el tiempo se acaba en esta etapa. En última instancia, esta es tu proyecto, y debes estar lo más feliz posible con el resultado, por lo que tienes todo el derecho a acercarte lo más posible a lo que quieres, y tienes derecho a buscar y usar otra música.